Documentales

DOCUMENTALES

RETRATO DE AIDA (leer mas)

Dirigido por Antonio Gómez-Olea

Guión y Dirección: ANTONIO GÓMEZ-OLEA

Intervinientes: AIDA FOLCH y GUILLERMO OYAGÜEZ MONTERO

Director de fotografía: MIGUEL ÁNGEL CAMACHO

Música: ELEUTERIO DOMÍNGUEZ ACEVEDO

Cámaras: ROSS GUTIÉRREZ y ANTONIO GÓMEZ-OLEA

Montaje: SERGIO MUÑOZ CANO

Dirección artística: CAROLINA GONZÁLEZ

Sonido: SERGIO MUÑOZ CANO y ALBERTO PACHECO

Montaje y mezclas de sonido: MIGUEL HUETE

Género: DOCUMENTAL

Duración: 1hora y 24 minutos

Año de producción: 2014

País de producción: España

Idioma: Castellano

Subtítulos: Inglés y francés

 

SINOPSIS

RETRATO DE AIDA trata de las relaciones personales que se establecen entre el pintor Guillermo Oyagüez Montero y la actriz Aida Folch a medida que van quedando, sesión a sesión, durante de más de un año, para hacer un retrato. Más allá de los secretos del oficio de pintor de Guillermo, y la destreza interpretativa de Aida, ambos nos regalan una postura vital ante el mundo que poco a poco va quedando reflejada en el cuadro.

“Tenía desde hace años ganas de retratar la intimidad que se genera entre un pintor y su modelo…hasta que Aida y Guillermo se conocieron, hasta que se olvidaron de las cámaras y surgió este diálogo” Antonio Gómez-Olea

“La casualidad existe, eso lo sabían bien los surrealistas, dando lugar a acontecimientos decisivos capaces de transformar el destino de sus protagonistas. La coincidencia en este caso nació del encuentro entre la idea de un director (Antonio Gómez-Olea), la intención de un artista (Guillermo Oyágüez Montero) y el deseo de una actriz (Aida Folch) por experimentar conjuntamente el fenómeno real de la creación artística a través de la relación que se establece entre el artista y su modelo durante el tiempo de realización del cuadro y cómo ésta afecta al proceso y resultado final de la obra… El resultado es una película sincera, sencilla, honesta, constructiva y todo lo espontánea que un documento de este tipo puede ser, en la que el acabado final (en esto la obra pictórica y la cinematográfica coinciden) es sólo uno más entre los infinitos posibles. Si no fuera así, ni cine ni  pintura serían arte.”
Milagros López Morales Revista de cine Encadenados (18-12-2014)

“Antonio Gómez-Olea orquesta el encuentro de manera sencilla. Imprime un ritmo. Y deja que fluya la conexión especial entre modelo y artista. El suspense se dibuja en la pantalla blanca”
Isabel Sánchez, El blog de Hildy Johnson (8-12-2014)

SIGO SIENDO (leer mas)

“Existe en el quechua chanka un término sumamente expresivo y muy común; cuando un individuo quiere expresar que a pesar de todo aún es, que existe todavía, dice: ¡Kachkaniraqmi!”. – José María Arguedas.

Sinopsis

“Sigo siendo (Kachkaniraqmi)” es una película de personajes, de personajes que son parte de un país. Esta película habla de música y de músicos, pero no es una película estrictamente musical, es una película de historias personales aparentemente muy lejanas, historias que se buscan en un país que también intenta encontrarse y dibujar su identidad.

Ficha

Título original: Sigo Siendo (Kachkaniraqmi)

Dirección: Javier Corcuera

Productores: Rolando Toledo / Gervasio Iglesias

País: Perú

Año: 2013

Estreno en Perú: 22/08/2013

Estreno en España: 17/01/2014

Duración: 110 minutos

Calificación: Apta para todos

Guión: Javier Corcuera / Ana de Prada

Dirección Musical: Chano Díaz Límaco

Dirección de Sonido: Rosa María Oliart

Productor asociado: Guillermo Toledo

Dirección de Fotografía: Jordi Abusada

Montaje: Fabiola Sialer

Cámaras: Mario Agudo / Jordi Abusada

Distribuidora en Perú: New Century Films

Distribuidora en todo el mundo: Quechua Films

Ficha Artística

Jaime Guardia – Charanguista ayacuchano

Máximo Damián – Violinista ayacuchano

Raúl García Zárate – Guitarrista

Juan Andrés “Chimango” Lares – Violinista ayacuchano

Félix Quispe “Duco” – Arpista ayacuchano

Magaly Solier – Cantante y actriz ayacuchana

Carlos Hayre – Guitarrista limeño

Rosa Guzmán – Cantante criolla limeña

José Izquierdo – Músico afroperuano

Manuel Vásquez – Músico afroperuano

Susana Baca – Cantante afroperuana

Laurita Pacheco – Arpista

Sila Yllanes – Cantante ayacuchana

Consuelo Jerí – Cantante ayacuchana

Palomita – Danzante de tijeras

Chuspicha – Danzante de tijeras

Familia Ballumbrosio

El director

Javier Corcuera

En sus películas, el peruano Javier Corcuera, suele tocar temas sociales sensibles, como en “La espalda del mundo”, que recoge tres historias sobre las violaciones de los derechos humanos en EEUU, Turquía y Perú. El filme obtuvo el premio de la crítica internacional de San Sebastián. Por su parte, “Invierno en Bagdad”, rodada durante la ocupación norteamericana en Irak, fue premiada en el Festival de Cine de Málaga y considerada la mejor película documental en el Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles (2005). También ha dirigido “La guerrilla de la memoria”, filme que retrata una parte olvidada de la historia de España; e “Invisibles”, película colectiva producida por Javier Bardem, que obtuvo el premio Goya de la Academia de Cine española al mejor Documental.

Filmografía: Minuesa, una ocupación con historia (1994), Izbjeglice (Refugiados) (1995), Perú, presos inocentes (1996), Chiapas, hablan los rebeldes (1998), Doñana, memoria de un desastre (1998), La espalda del mundo (2000), La guerrilla de la memoria (2002), Condenados al corredor (2003), En el mundo, a cada rato (Hijas de Belén) (2004), Invierno en Bagdad (2005), Invisibles (La voz de las piedras) (2007), Checkpoint Rock (2009) y Sigo Siendo (Kachkaniraqmi) (2013).

“Nací en el Perú y viví la parte más importante de mi vida en Lima, esa gran ciudad donde llegaron familias de todos los rincones del país. Millones de personas aterrizaron en esta capital costera dejando atrás sus comunidades, su cultura, sus sonidos. La gran migración que empezó en los años cuarenta y cincuenta convirtió a Lima y a sus barrios marginales en un lugar de refugio para el otro Perú, que llegaba en busca de una vida mejor. En este lugar encontraron una nueva vida pero no siempre lo que buscaban. Esta película habla de esas personas que llegaron a la gran ciudad y nunca se desprendieron de su identidad, que siguieron cantando en su lengua, que mantuvieron una manera única de tocar la guitarra, el violín, el arpa, el cajón, una manera de contar historias, de decir quienes son. Desde la música y desde sus grandes maestros, la película cuenta la diversidad de la cultura peruana, la complejidad del país, su pasado y su presente. La película es una historia de retorno, los personajes vuelven a sus lugares de origen donde compusieron sus primeras melodías. Personalmente este documental es también para mí una forma de retorno, una deuda con un país que dejé atrás, un lugar por contar y cantar.”

Premios

  1. Festival de Lima. Mejor documental. Perú
  2. Festival Cine las Américas. Texas. Premio del público. Estados Unidos
  3. Encuentro mundial de Cine. Houston. Mejor documental. Estados Unidos
  4. Clam Festival de Cine Solidario de Navarcles. Premio del jurado. Barcelona – España
  5. Festival Internacional de la Luz. Mejor dirección de fotografía. Colombia
  6. Cine a Contracorriente. Premio Raíces. Colombia
  7. Ventana Andina. Mejor película y mejor fotografía. Argentina
  8. Premio a Mejor documental en el Festival de Cine al Pasto. Colombia
  9. Mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Caracas. Venezuela
  10. Mejor banda sonora y Mejor fotografía Festival de Cine Tres Fronteras. Argentina
  • Mejor documental. Festival de Cine Migrante. Argentina
  1. Mention to the Best Technical-artistic contribution to the music Overlook Film Festival. Italia
  2. Best feature film at Pachamama Cinema de Fronteira Film Festival. Brasil

 

Festivales

  1. Sir Charlie Darwin movie Battle. UK
  2. Three Cities Festival and Conference. Santo Domingo, NY, LA. USA and Dominican Republic.
  3. Doker Moscow International Documentary Film Festival. Russia
  4. OM Film Festival. Kansas – USA
  5. Krakow Film Festival. Polonia
  6. Visions du Reel. Mercado. Suiza
  7. Puertas Film Fest. Asturias. España
  8. Festival de Cine Etnográfico Espiello. Boltaña. España
  9. Festival de San Sebastián. España
  10. Festival de la Habana. Cuba
  11. Festival de Cine Documental RDOC. República Dominicana
  12. Festival de Cine Latino de Chicago. Estados Unidos
  13. E tudo Verdade. Brasil.
  14. Festival Internacional de Cine de Busan. Corea del Sur.
  15. Proyección pase Especial. España
  16. Edimburgo. Reino Unido
  17. Toulouse. Francia
  18. Premios Platino. Nominado a mejor documental Iberoamericano. Panamá
  19. Latinoamerika i fokus. Målmø Suecia
  20. Festival Latinoamericano de Cine de los Pueblos Indígenas. Ecuador
  21. Westdoc Film Festival. Estados Unidos
  22. Duhok International Film Festival. Irak
  23. Parnü Film Festival. Estonia
  24. Islantilla Cinefórum. Nominación mejor documental, mejor fotografía y premio público. España
  25. Argentina
  26. Argentina
  27. Festival de Cine de Viajes de Ocejón. España
  28. Sir Charlie Darwin Film Festival. Inglaterra
  29. Margaret Mead Film Festival. Estados Unidos
  30. Festival de Cine el Ojo Cojo. España
  31. Sydney Latinamerican Film Festival. Australia
  32. INEDIT BEEFEATER Doc on Music Film Festival. Chile
  33. Festival Internacional de Cine Ojo al Sancocho. Colombia
  34. Muestra de Cine Peruano en Winnipeg. Canadá.
  35. Muestra EXIB Música. España
  36. Proyección de Sigo Siendo en Vents de Mollet. Barcelona
  37. Festival de Cine de Bahía. Argentina
  38. Muestra de Cine de Centro e Iberoamerica. Nicaragua
  39. Festival de Cine Arica Nativa. Chile
  40. Filmar en América Latina. Suiza
  41. Pantalla Latina. Suiza
  42. Festival de Montevideo. Uruguay
  43. Cork Film Festival. Irlanda
  44. Great Lakes Film Festival. Estados Unidos.
  45. Rome Independent Film Festival. Italia.
  46. Planeta Doc Film Festival. Brasil.
  47. Hanoi International Film Festival. Vietnam
  48. Portland Film Festival Cine-Lit. Estados Unidos
  49. Festival de Cine y Derechos Humanos de Sevilla. España
  50. Festival de Cine Iberoamericano Sin Fronteras. Estados Unidos
  51. World Film festival. Tartu – Estonia.
  52. Cinemística. Spain
  53. Latinamerican Films Week. Kino Weiterstadt. Alemania
  54. Centre Socioculturel Pôle Sud. Laussane – Suisse
  55. Festival Internacional de Cine Social de Concordia. Argentina
  56. Cinemaperuvien Film Festival. In Paris.

UNA TEMPORADA DE ÓPERA (leer mas)

Dirigido por Richard Copans

SINOPSIS

Paris, plaza de la Bastille, la ópera más grande del mundo. ¿Cómo convergen las voluntades en una institución tan inmensa para montar, por ejemplo, Parsifal? ¿Cómo se impulsa una política de creación, renovación de las versiones, dirección y búsqueda de nuevos públicos? La opulencia y la miseria, la pasión creativa… Y el equilibrio de los números. Es sobre todo una película sobre el amor al trabajo bien hecho, en equipo, desde las primeras voces hasta los responsables de la iluminación, cada hombre y mujer implicados en la producción o la política de su director, Gérard Mortier (actual director del Teatro Real de Madrid), al servicio de las audiencias de nuestra época, sus expectativas y deseos.

EXTRAS

Entrevista a Gérard Mortier (director de la Opera de París, actualmente director del Teatro Real de Madrid).

Entrevistas a Richard Copans (director del film UNA TEMPORADA DE OPERA / UNA SAISON D’OPERA) sobre la

película y su trayectoria personal

Critica-Una-temporada...-Abril-2014-(Mortier)

UN LUGAR EN EL CINE (leer mas)

Dirigido por Alberto Morais

Guión y Dirección: ALBERTO MORAIS

Tipo: LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

Intérpretes: Victor Erice, Theo Angelopoulos, Tonino Guerra, Nioneto Dávoli…

Formato HD

Duración: 107 minutos

Versión original: CASTELLANO / ITALIANO / GRIEGO

Subtítulos: CASTELLANO / INGLÉS

Extras: Entrevistas a Victor Erice / Theo Angelopoulos / Tonino Guerra / Ninetto Davoli / Alberto Morais

SINOPSIS

“Un lugar en el cine” trata de la resistencia cinematográfica entendida a través del compromiso y el diálogo con la Historia, y está vertebrada a partir de tres cineastas.

Un cineasta griego, Theo Angelopoulos, emprende un viaje desde Atenas hasta Ostia, la playa romana donde Pier Paolo Pasolini fue asesinado. Lejos de allí, en una estación de tren en España, el cineasta español Víctor Erice se acerca en la distancia a través de una entrevista, aquella que tiene como epicentro discursivo la resistencia cinematográfica.

Ya en Italia nos aproximamos a Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini. Ellos cerrarán, a modo de voz desaparecida de Pasolini, el triángulo histórico y cinematográfico que componen nuestros tres cineastas.

Todos ellos forman parte de un viaje reflexivo y revelador llamado “Un lugar en el cine”

CRÍTICAS

“Un lugar en el cine, ensayo fílmico del joven vallisoletano Alberto Morais, ni tiene buenas intenciones ni va de necesaria. Simplemente tiene intenciones y está comprometida con un discurso artístico: el de la búsqueda. Y eso, en los tiempos que corren, ya es mucho. Su reflexivo recorrido por un determinado tipo de cine, tan distinto como revelador de una mirada muy concreta, contiene algunas bellísimas conjunciones de texto, imagen y silencio; de pasado y de presente; de introspección hacia el futuro del cine.” JAVIER OCAÑA. EL PAÍS

“Un lugar en el cine recoge el compromiso nacido del neorrealismo, recordado, entre otros, por cineastas como Víctor Erice o Ange¬lopoulos. Una mezcla de realidad y ficción, un inter¬valo entre gente anónima y grandes personalidades de la historia del cine.” EL MUNDO

“Morais ha tomado un camino como cineasta. Y claro está que es la senda menos transitada. Imperfecta e insolente, tímida y perfeccionista, pero con una tesis jamás traicionada, Un lugar en el cine tiene algunos pasajes inolvidables, de esos que hacen de una película un lugar en nuestras vidas.” ROGER ALAN KOZA

“Un lugar en el cine se entreteje a base de una dialéctica entre planos extraordinarios llenos de aire (sobre todo en el gran cuadro final) e ideas fuertes y cargadas de sentido histórico. Se trata de un meditado trabajo de montaje de bloques ideológicos entrelazadazos y unidireccionales.” ALVARO ARROBA

“El film sorprende gratamente no sólo por la madurez expresiva demostrada en su primer largometraje sino también por su defensa de un cine contemplado como manifestación cultural y no como negocio, lejos de las frivolidades presentes en muchas de las obras de las nuevas hornadas de realizadores. […] un manifiesto a favor de ese cine humanista y comprometido que nos legaron grandes cineastas en el pasado.” CARTELERA TURIA

ISRAEL GALVÁN (leer mas)

Dirigido por María Reggian

SINOPSIS

Israel Galván (Sevilla, 1973), premio Nacional de Danza 2005, soñaba con ser futbolista. Sus padres eran bailaores de flamenco y él se convirtió en un bailaor absoluto, en un coreógrafo inaudito. Este film convoca su palabra, su cuerpo, sus gestos, sus inspiraciones, sus cómplices, sus modelos, sus hallazgos. Digamos que se trata de un juego de la oca, un paseo por los senderos de la invención de un alfabeto del cuerpo. Un alfabeto perfectamente inédito y perfectamente reconocible.

ELOGIO DE ISRAEL GALVÁN

En un momento en que el baile se debatía entre lo rancio y lo nuevo, llega Israel Galván que se niega a elegir bando. “Es el más viejo de los bailaores jóvenes”, dice de él Enrique Morente. Y es verdad, porque Israel Galván lo mismo sabe de los tangos del Titi de Triana que te adivina un gesto flamenco en la danza butho. Ante un panorama que se dirimía entre dos vías, el canon inventado y la afectación moderna, Israel Galván deshace el camino trillado. Frente a quienes quieren mantener un status quo clásico y canónico, retuerce el canon para darnos un flamenco conceptista y barroco. Frente a quienes introducen modismo de la danza moderna y contemporánea, del jazz o del folklore, propone reconstruir un baile flamenco moderno usando sólo los materiales que hasta hace muy poco eran herramientas exclusivas de los flamencos. Israel Galván parte del reconocimiento. Las alegrías de Mario Maya o la soleá de Farruco, sus pasos, sus quiebros, su música, éste es el material que tiene que entenderse para redibujar el flamenco nuevo. Israel Galván no engaña a nadie fingiendo una vida de bailaor en una canción de Mecano. ¿Quién puede dudar que para Israel Galván es más importante una película de Stanley Kubrick que un paso de Nacho Duato? Israel Galván aprende más de baile yendo al fútbol con Manuel Soler que en una academia moderna. Puedo dar fe de que el bailaor, que admira a Dalí, conoce los secretos del método paranoico crítico: cuando montó la muerte de Gregorio Samsa en La Metamorfosis decidió incorporar la coreografía de la Pavlova La muerte del cisne a la seguiriya-martinete del final, sin saber que, ochenta años antes, Vicente Escudero tuvo la misma inspiración para crear la primera seguiriya de baile. Israel Galván lee la vida de Félix el Loco, fuente de su coreografía Los zapatos rojos, y baila una farruca que resta a la creación de Massine lo extraño al flamenco que había en ella. Nadie duda de que Israel Galván es el bailaor de los bailaores, vista la frecuencia con que éstos suelen mezclarse entre su público. Nadie duda de que es el favorito al compás entre los cantaores, visto como éstos le exigen que compatibilice bulerías y tangos con sus experiencias modernas. Nadie duda de que el flamenco de los últimos años sería otro sin el paso de Israel Galván.

Pedro G. Romero

HOLLYWOOD CONTRA FRANCO (leer mas)

Dirigido por Oriol Porta

SINOPSIS

La guerra civil española ejerció un fuerte impacto en los artistas de Hollywood. Muchos de ellos apoyaron campañas contra la política de no intervención del gobierno de los EEUU, participaron en mítines o pagaron ambulancias para el bando republicano. Como dijera Fred Zinneman, la derrota de la España democrática dejó una herida abierta en los corazones liberales de Hollywood. Muchos guionistas la utilizaron durante años, para reforzar el carácter noble y romántico de algunos personajes de sus películas –Rick en Casablanca, por ejemplo.

El documental muestra como la guerra civil española fue usada en Hollywood -entre 1937 y 1975- en sintonía con las tendencias e intereses de la política americana de cada momento. Desde posiciones liberales prorepublicanas en los 40s -con el nazismo como enemigo-, al acercamiento a Franco en los 50s, cuando el adversario era el comunismo.

La relación entre cine y política es narrada a través de la historia de Alvah Bessie, un guionista de Hollywood que luchó como brigadista en la guerra española.

La película se construye con clips de famosas películas como Casablanca, Por quién doblan las campanas, Las nieves del Kilimanjaro o Tal como éramos, entre otras. Y cuenta con las declaraciones de la actriz Susan Sarandon, los guionistas Arthur Laurents y Walter Bernstein, y los historiadores cinematográficos Román Gubern y Patrick McGilligan, entre otros.

ENTREVISTADOS

Para el documental escogimos a importantes personalidades de Hollywood, historiadores de cine y al que fue presidente de la la asociación de los Veteranos de la Brigada Abraham Lincoln, Moe Fisham, fallecido poco después de nuestra entrevista.

ssarandonSUSAN SARANDON: Actriz y madre, tal y como ella quiere ser considerada según la autorización que nos firmó cuando la entrevistamos en Nueva York. Defiende con vehemencia la necesidad de que los artistas se comprometan con los temas de su tiempo. Le gusta pensar que puede ser la voz que defiende los derechos de las personas que no pueden hacerlo por sí mismas.


 rgubergROMÁN GUBERN: (Barcelona 1934) Catedrático de Cine en la Universidad Autónoma de Barcelona, ha dado clases de Historia del Cine en la University of Southern California, entre otros centros. Ha publicado estudios sobre una gran diversidad de temas relacionados con el cine, la imagen y la comunicación. Román Gubern ofrece el background de historia del cine necesario en nuestro discurso.


 dbessieDAN BESSIE: (Landgrove-Vermont, 1932). Hijo del escritor Alvah Bessie, personaje central de nuestra película. Ha sido director y productor, y ha escrito libros de carácter biográfico como “Rare Birds” o “Reeling Through Hollywood”. Al igual que su padre, fue miembro del Partido Comunista Americano. Dan Bessie aporta el vínculo emocional que une diferentes aspectos de la película, así como una afinada visión de la historia.


 alaurentsARTHUR LAURENTS: (NY 1918): Autor de clásicos como “West Side Story”, “Bonjour Tristesse” y “Tal como éramos”, fue miembro también del Partido Comunista Americano y fichado en la Lista Negra de los profesionales de Hollywood. Defiende el componente político como uno de los rasgos distintivos de la personalidad de todo ser humano.


 wbernsteinWALTER BERNSTEIN: (NY 1919): Autor y guionista, sufrió la caza de brujas y estuvo en la Lista Negra. Se tomó su propia venganza con la película “La tapadera”, producida con un equipo de viejos camaradas censurados. La guerra civil española coincidió con su etapa universitaria y representó el despertar de su conciencia política.


 pmcgilliganPATRICK McGILLIGAN: Historiador del cine. Ha escrito biografías de directores y actores como Fritz Lang, George Cukor, James Cagney y Clint Eastwood. Pero su libro más importante es: “Tender Comrades; a Backstory of the Hollywood Blacklist”, sobre los artistas del cine censurados por la Lista Negra. Completa las explicaciones cinematográficas de Román Gubern.


 mfishmanMOE FISHMAN: (1915 – 2007). Cuando lo entrevistamos el año pasado, con 92 años, era el Presidente de la asociación de los Veteranos de la Brigada Abraham Lincoln. A pesar de su edad, su discurso está lleno de energía. Una lección de compromiso y vitalidad.

FOTOGRAFÍAS DEL CAMPO DE CONCENTRACIÓN (leer mas)

FOTOGRAFÍAS DEL CAMPO DE CONCENTRACIÓN LE VERNET D’ARIEGE
FICHA TÉCNICA

DIRECTORA: LINDA FERRER-ROCA

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA: RICHARD COPANS
AYUDANTE DE FOTOGRAFÍA: CYRIL RENAUD
INGENIERO DE SONIDO: OLIVIER SCHWOB
MONTADORA: CATHERINE POITEVIN
AYUDANTE DE MONTAJE: NADINE ATZÉI
PRODUCIDO POR: LES FILM D’ICI / Richard Copans
FORMATO ORIGINAL: 16mm. Blanco y Negro
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1996
DURACIÓN: 56 Minutos
SINOPSIS

En 1993 llega por azar a Linda Ferrer-Roca un baúl con cerca de dos mil placas de vidrio embaladas cuidadosamente en cajas de cartón… Tras revelarlas descubre que se trata de una parte del expediente judicial del campo de concentración de Vernet d’Ariège, donde fueron confinados entre 1939 y 1944 gran parte de los republicanos españoles y las brigadas internacionales tras cruzar la frontera con Francia al finalizar de la Guerra Civil. A partir de 1940, también fueron internados en Vernet d’Ariège antifascistas de todas las nacionalidades, muchos de los cuales serían deportados a los campos de exterminio de la Alemania nazi… Linda Ferrer-Roca, hija de un refugiado político español, se interesó profundamente por estas imágenes más allá de la lectura crítica y la poética que encierran, haciendo un film sobre la capacidad de la fotografía para reactivar la memoria y crear un testimonio de palabras y miradas para contar el horror y banalidad del confinamiento.

FLORES DE LUNA (leer mas)

Dirigido por Juan Vicente Córdoba

SINOPSIS

Cuando la gente ve hoy en día a los inmigrantes que vienen de fuera tiende a olvidar lo cerca que hemos tenido la pobreza. Es incapaz de recordar nuestra propia inmigración interna: la andaluza, manchega, extremeña, etc. Ya no se recuerdan aquellas imágenes de la posguerra: el frío, el hambre, el miedo. A los vecinos madrileños, del legendario barrio del Pozo del Tío Raimundo, barriada construida vertiginosamente en los años 50 y 60 con “casas” de barro y lata que crecían como “flores de luna” levantadas durante la noche a hurtadillas de la policía, no se les va a olvidar nunca. Como tampoco se les olvidará jamás a aquellos otros inmigrantes que llegaron a los barrios de La Mina, Somorrostro, Torre Baró, Campo de la Bota, Poble Nou y Hospitalet, entre otros, en Barcelona o a los de Recaldeberri y Errekalear en Bilbao o a los de Orcasitas, Palomeras, San Blas, Fuencarral, del Cerro del Tío Pío o Doña Carlota en Madrid o a los de la Coma y del Cristo en Valencia y cuyas historias podrían ser el vivo reflejo de la historia que nos ocupa.

La inmigración interna de nuestro país ha acabado arrinconada en nuestra memoria como un legajo que nadie quiere desempolvar. Para las nuevas generaciones el éxodo rural de nuestros padres y abuelos sólo es un recuerdo borroso, cada vez más lejano, y sin embargo es una clave fundamental para entender la historia de España en el siglo XX: el proceso de industrialización de nuestras grandes ciudades y abandono de los pueblos desde finales de los años cincuenta. Gracias a ese proceso la población española pasa de ser mayoritariamente rural a ser plenamente urbana (más del 70%), el país se industrializa trayendo consigo el nacimiento de nuevos barrios de infraviviendas en las periferias de las grandes ciudades. Tal vez, sea ésta para muchos de nosotros la historia de nuestras propias raíces. ¿Nos hemos preguntado alguna vez cómo se originó el barrio donde nacimos o vivimos, con sus señas de identidad, y a qué fue debido? ¿Cómo casi de la noche a la mañana se transforma aquel trozo de tierra polvorienta y reseca, marginal y deshabitada donde llegaron nuestros padres o nuestros abuelos en un espacio acondicionado para la vida humana?

La llegada del Padre Llanos a finales de 1955 al Pozo, carente de las necesidades más elementales, transforma su existencia, empezando a liderar a todos sus vecinos, en la mayoría ex-campesinos analfabetos, en la lucha por conseguir una vida mejor. Desde la chabola, encabeza valientemente el movimiento de los curas obreros y su opción por los pobres oponiéndose a la opresión de la dictadura y desafiando las directrices de la Iglesia. ¿Cómo un hombre puede cambiar de ideas y pasar de capellán ultraderechista a cura rojo debido al contacto con los hombres, el pueblo y la miseria?
El barrio del Pozo del Tío Raimundo resume y simboliza un trozo de nuestra historia reciente y su evolución es el reflejo de la del país entero. Lo que caracterizaba a sus vecinos era la permanente ilusión utópica de que desde el barrio se podía cambiar el mundo.
¿Cómo estas gentes tomaron conciencia de su situación y con su fuerza y cohesión como grupo humano emprendieron la transformación? Es precisamente este cambio, acelerado, este proceso de integración de un grupo de raíces rurales, en el ritmo de vida y la cultura urbana, esa toma de conciencia de su situación y su irreversible disposición a transformarla en contraste con su presente más palpitante, lo que pretende reflejar la historia de este documental.

JUAN VICENTE CÓRDOBA